Trabajo final

Ejercicio final del curso

Paula Carrillo, audiovisual lenguage. paula.carrilloc@edu.uah.es

En este trabajo he querido combinar dos aspectos que me parecen muy importantes para nuestra carrera: la curiosidad y la cultura. 

Por un lado, he querido aprovechar la oportunidad para visitar uno de los mayores museos de nuestro país: el Museo del Prado. 

El Museo del Prado es uno de los museos más prestigiosos y visitados del mundo. Fue inaugurado en 1819 y cuenta con una extensa colección de arte principalmente europeo, abarcando desde el siglo XII hasta principios del siglo XX. 

Para aquello que residís en Madrid o alrededores, debe ser un lugar más de vuestra vida cotidiana, pero para los que somos de fuera y venimos, es una de nuestras grandes inspiraciones. Por ello, he aprovechado con el motivo de este trabajo para visitar sus exposiciones y aprender de ellas. La pintura ha influido históricamente en la fotografía y viceversa, retroalimentándose y complementándose en su desarrollo a lo largo de los años.

Por otro lado, quería desarrolla un aspecto que me parece muy importante a la hora de rehacer una obra de arte, el “Puctum”. El “Studium” y “Punctum” son conceptos fotográficos introducidos por Roland Barthes en su obra “La cámara lúcida”. Estos términos ayudan a describir la experiencia estética y emocional de una fotografía. 

Por un lado el studium, se refiere a la parte cultural, social o contextual de una imagen que atrae el interés del observador de una manera general. Se trata de la lectura en si de la imagen de manera objetiva.

Por otro lado el punctum, es un detalle específico o un elemento accidental en una fotografía que tiene un impacto personal o emocional directo en el espectador. Es un detalle inesperado que afecta al espectador de manera subjetiva. Puede ser un pequeño elemento en la imagen que "pincha" o impacta emocionalmente al observador. Por ello, su lectura es más subjetiva.

Por ello, "studium" se refiere a la dimensión general y cultural de una fotografía que atrae el interés, de manera más objetiva mientras que "punctum" es un detalle específico que toca personalmente al espectador. 

Personalmente, considero que a la hora de hacer un remake para una fotografía, obra de arte o cualquier concepto, el studium queda a un lado, y debemos centrarnos en el puctum. 

Por ello, para el desarrollo de este proyecto, he seleccionado las cinco obras que más llamaron mi atención de esta visita al Museo del Prado y hecho un remake del puctum que cada una de ellas me transmitía. 

A lo largo de la historia del arte, la figura de la mujer ha sido una fuente inagotable de inspiración y representación. Desde las antiguas Venus paleolíticas hasta las musas renacentistas, las mujeres han ocupado un lugar destacado en la creatividad artística. Sin embargo, su representación ha variado enormemente, reflejando las actitudes culturales y sociales de cada época. Desde diosas mitológicas hasta retratos idealizados, pasando por exploraciones de la feminidad en el arte contemporáneo, la figura femenina ha sido moldeada por diversas interpretaciones artísticas a lo largo de los siglos, dejando un legado rico y complejo en la historia del arte. Por ello, he querido que todas mis fotografías estén representadas por mujeres haciendo referencias al uso de la figura de la femenina a lo largo de la historia del arte.

En primera lugar, tenemos “El caballero de la mano en el pecho” de el Greco (1580). Esta imagen siempre ha llamado mi atención por como un retrato tan simple y cotidiano puede resaltar tanto. 

 

El caballero de la mano en el pecho” El Greco (1580).

Obra original

En mi caso, el puctum, se centra en la mano. Me es imposible apartar la vista de la mano cada vez que lo observo. Por ello, mi primer remake se basa en este parte del cuerpo apoyada en un pecho para recrear esta obra de arte.

 

Remake realizado

Remake realizado

En los dos remake realizados he querido representar la posición de la mano de una manera más actualizada en este caso, resaltando el contraste del jersey negro con la mano clara y los anillos plateados para resaltarla. Por otro lado, se ha utilizado un fondo neutro gris para darle la sensación del cuadro pero aportar más luz. Finalmente, para simular la muñequera se ha utilizado un scrunchie para simular el efecto y el relieve que le da a la fotografía. En la primera fotografía se ha querido utilizar un balance de blancos más azulado y un plano más abierto mientras que en la segunda fotografía se ha utilizado un plano más cerrado y un balance de blancos más cálido. 

En esta pintura podemos ver un estilo tardomanierista característico del Greco, caracterizado por el uso audaz del color, la elongación de las figuras y la expresión intensa. Este pintor es reconocido por su estilo único de representar figuras alargadas y estilizadas con sus cuerpos estirados y delgados con un gesto de devoción o reflexión. También contiene una iluminación dramática para resaltar las figuras en un fondo oscuro. Esta técnica crea un efecto teatral y enfatiza la importancia de los personajes en la composición. Además, en este caso no resalta mucho a plena vista pero usa un color vibrante para con el uso de tonos cálidos y contrastes para dar vida a la escena que contribuyen a la atmósfera dramática. Como hemos comentado, el uso del fondo oscuro sirve para aislar las figuras y centrar la atención en el caballero. Este enfoque crea un impacto visual fuerte y acentúa la solemnidad de la escena. También debemos leer el simbolismo religioso, ya que esta obra se interpreta como una representación alegórica con posibles connotaciones religiosas. El gesto del caballero puede sugerir una actitud de oración o adoración. Y finalmente, este pintor a menudo utiliza composiciones verticales, y esta pintura no es una excepción. La disposición vertical de la figura agrega a la sensación de elevación espiritual.

En segundo lugar, encontramos “La maja desnuda” de Francisco de Goya. (1800). Se trata de una pintura icónica de la pintura española del siglo XIX y me parece curioso que más tarde formó pareja con “La maja vestida”, a requerimiento de Manuel Godoy.

 

 “La maja desnuda” de Francisco de Goya. (1800)

 Obra original

“La maja vestida” de Francisco de Goya. (1800).

Obra original

En mi caso, el puctum, se centra en las texturas en este caso. Se concentra en las sabanas, la piel, la ropa, las manos… siendo esto lo más característico de la obra. Por ello, mi remake va a tratar de resaltar las texturas de su imagen para recrear esta obra. 

 

Remake realizado

 

Remake realizado

En los dos remake realizados he querido representar la femininidad de la mujere en el cuadro original. En la primera foto, se ha tratado de realizar una simulación parecida del cuadro original con la textura de las sabanas y de la piel de la espalda para representar la desnudez. Por otro lado, en la segunda foto se ha apostado por otro tipo de remake basándose en las texturas de las sabanas y la sensualidad y feminidad representados por los tacones y la pose. También, al tener ese componente de los zapatos de tacones se asimila más a la maja vestida, siendo así dos versiones de ambas versiones del mismo cuadro.

A pesar de que se encuentra en la corriente estética del neoclasicismo, al igual que otras creaciones del mismo artista, esta obra de Goya destaca por su audacia y valentía, características que la hicieron sobresalir en su contexto histórico.

Principalmente la define el desnudo femenino, el cual es un motivo recurrente en el arte. La maja, en este caso, es una figura femenina en una posición recostada, mirando directamente al espectador. La protagonista asume una postura seductora, con una expresión enigmática y coqueta. Su actitud desafiante y la manera en que sostiene la mirada del observador han llevado a interpretaciones diversas sobre su identidad y significado. También destaca como el pintor utiliza una paleta de colores cálidos, con tonos tierra y rojizos predominantes. Estos colores contribuyen a la sensualidad de la escena y resaltan la piel de la maja y el uso de detalles realistas, lo que refleja en la representación de la anatomía y las texturas, como el cabello y la tela del cojín en el que descansa la maja.

En este cuadro encontramos una iluminación sutil para resaltar áreas específicas del cuerpo y crear contrastes. Con esta técnica de iluminación contribuye a la sensualidad y la atmósfera misteriosa de la pintura. Por otro lado, hay el fondo es relativamente neutro y oscuro, lo que centra la atención en la figura principal. Con este enfoque en la maja, se refuerza la idea de que la figura es el elemento central y más importante de la obra.

Claramente, esa obra tiene influencia de la pintura veneciana, en particular de artistas como Tiziano. Goya adopta ciertos elementos de la tradición veneciana para crear su propia interpretación única.

Finalmente, resaltar que esta la obra de la "La maja desnuda" fue objeto de controversia en su época y fue censurada inicialmente. La figura desnuda y la mirada directa de la maja desafiaban las convenciones de la época y generaron debate sobre su moralidad.

En tercer lugar, encontramos “Chicos en la playa” obra del pintor postimpresionista español Joaquín Sorolla (1910). Aunque el término "postimpresionismo" no se utiliza comúnmente para describir la obra de Sorolla, se le atribuye a menudo como un precursor de movimientos artísticos posteriores.

 

“Chicos en la playa” de Joaquín Sorolla (1910)

Obra original

Pero para este caso, también he querido inspirarme en una obra del mismo autor llamada “Cosiendo la vela” de 1986. 

 

“Cosiendo la vela” de Joaquín Sorolla (1986)

Obra original

Para mí, personalmente en esta obra el puctum se encuentra en el reflejo del agua en la piel humana. El resalto de la iluminación del agua representado como esa luz blanca reflejada en los cuerpos humanos me parece lo más característico de esta obra. 

 

Remake realizado

En el caso de este remake realizado, se ha querido mezclar las dos imágenes he tratado por un lado de representar la textura de la piel humana resaltando sus luces y sus sombras para recrear esa pintura, mientras con la sabana resaltaba la textura de las telas del segundo cuadro recreando esa vela para imitación del estilo de pintura del autor.

En estas obras destaca la luminosidad y el color, ya que el autor era conocido por su habilidad para capturar la luz y el color en sus obras, utilizando colores vibrantes y una paleta luminosa para retratar la escena en la playa y las flores.

Aunque se le considera principalmente un pintor impresionista, Sorolla también experimentó con técnicas y estilos más allá del impresionismo clásico. Podemos ver algunas de estas características, como pinceladas sueltas y una representación más libre de la realidad.

Por otro lado, Sorolla era conocido por su enfoque naturalista al retratar escenas cotidianas, capturando de manera realista la vida en la playa y las actividades de los niños. Además, sus obras también transmiten un sentido de dinamismo y vitalidad, capturando la energía y la alegría de los niños jugando en la costa o el cosido de la tela de la vela por las mujeres.

Finalmente, Sorolla era un maestro en el manejo de la técnica pictórica. La obra contiene pinceladas seguras y expresivas, así como una atención cuidadosa a los detalles.

En cuarto lugar, encontramos “David con la cabeza de Goliat” obra del pintor barroco italiano Caravaggio (1600).

 

“David con la cabeza de Goliat” de Caravaggio (1600)

Obra original

En este caso, para mí el puctum se encuentra tanto en el claroscuro de la obra, siendo una de las características que más representan la obra del autor como en la textura que esta iluminación muestra y en la flexión de los musculos.

 

Remake realizado

En mi remake, en este caso, he querido simular esos músculos y su profundidad, remarcando la fuerza que se encuentra en David, que pese a no tener una musculatura exacerbada, el pintor resalta el contorno de su musculatura a través de las sombras, al igual que en la imagen realizada.

Caravaggio era conocido por su habilidad para representar escenas de manera realista, utilizando la técnica del trompe-l'oeil conocido como trampantojo (técnica pictórica que intenta engañar a la vista jugando con el entorno arquitectónico, la perspectiva, el sombreado y otros efectos ópticos de fingimiento, consiguiendo una «realidad intensificada» o «sustitución de la realidad».). De esta manera daba la ilusión de que las figuras están saliendo de la pintura. En "David con la cabeza de Goliat", el realismo se observa en la detallada representación de las figuras y la expresión facial de David.

Por otro lado, como ya hemos mencionado destaca el uso del contraste de la luz y la sombra (Chiaroscuro o claroscuro): Caravaggio fue pionero en la técnica del claroscuro, que implica un fuerte contraste entre áreas iluminadas y sombras oscuras. Esto se evidencia en su obra "David con la cabeza de Goliat", donde la luz incide dramáticamente en las figuras, destacando detalles específicos.

Por otro lado, el pintor era maestro en infundir un fuerte sentido de dramatismo en sus obras en la representación de la psicología de sus personajes. En esta pintura, el acto de David sosteniendo la cabeza de Goliat es representado de manera intensa y emotiva, creando una escena impactante; la expresión facial de David refleja una mezcla de triunfo y melancolía, sugiriendo una contemplación profunda sobre la violencia y la victoria.

Cursionamente, a menudo usaba personas comunes como modelos para sus obras, lo que contribuía a la autenticidad y naturalidad de sus representaciones. Esto se observa en la figura de David, que no es idealizada, sino que presenta rasgos más realistas.

Finalmente, el autor realizaba una focalización en lo narrativo, ya que aunque esta obra representa un tema bíblico, Caravaggio le da un enfoque narrativo único, centrándose en el momento posterior al enfrentamiento entre David y Goliat.

En cuarto lugar, encontramos “Las tres Gracias” del pintor barroco Pedro Pablo Rubens (1636-1639). Se trata de una pintura que destaca por sus características artísticas propias del estilo barroco

 

“Las tres Gracias” de Pedro Pablo Rubens (1636-1639)

Obra original

En mi caso, el puctum, se centra en la iluminación y loas texturas de la obra. En este caso nos centramos otra vez en los detalles minuciosos pintados y detallados por el pintor en las texturas de la piel, el suelo, el pelo, etc. Para mí el mayor puctum se centra en las manos abrazándose entre ti, creando aún más textura en las pieles y resaltando la técnica del autor.

 

Remake realizado

Para ello, en este remake realizado, se ha querido he querido la técnica minuciosa del artista donde se ve cómo se mueve la piel y se detalla. Considero que el detalle con el que consigue recrear el movimiento de la piel es minucioso y me ha parecido que era el pucutum perfecto para esta obra de arte: como las manos abrazando la piel crean figuras en esta y el tejido de mueve hasta crear hondas.

Por un lado, Rubens era conocido por su habilidad para representar movimiento y acción en sus obras. En "Las Tres Gracias", las figuras de las diosas parecen estar en constante movimiento, creando una sensación de dinamismo. También el uso del color en esta pintura es llamativo y vibrante, una característica distintiva del estilo barroco. Rubens aplicaba colores ricos y saturados para lograr efectos visuales impactantes.

El Barroco a menudo presentaba figuras humanas en proporciones exageradas y desnudas monumentales. En "Las Tres Gracias", las diosas están representadas con cuerpos robustos y voluptuosos, un rasgo típico del enfoque barroco. Por otro lado, la composición de la obra es dinámica y llena de movimiento. Las figuras se entrelazan en una danza grácil, creando una composición que invita a la mirada a moverse por la pintura.

Rubens también utilizaba la técnica del claroscuro que hemos utilizado anteriormente para crear contrastes dramáticos entre luces y sombras. Esto se observa en cómo la luz ilumina ciertas partes de los cuerpos de las Gracias, resaltando sus formas.

Seguidamente, las expresiones en las caras de las Tres Gracias son vivaces y expresivas, capturando un sentido de alegría y gracia. Esto refleja la habilidad de Rubens para transmitir emociones a través de sus representaciones.

A pesar de la dinámica general de la composición, Rubens se ocupaba de detalles minuciosos, como los pliegues de las telas y las texturas de la piel, lo que añade una capa de realismo y refinamiento a la obra.

Finalmente, el barroco a menudo incorporaba temas mitológicos y alegóricos. En "Las Tres Gracias", Rubens representa a las diosas de la mitología griega, símbolos de gracia, belleza y encanto.

Finalmente y en quinto lugar, encontramos una obra un poco más dispar de las que hemos trabajado pero que llamo mucho mi atención y me dio a conocer a un autor que no conocía. Se trata de “Bodegon flores hortalizas cesto cerezas” de Juan Sánchez Cotán (1600).

Juan Sánchez Cotán fue un pintor español del Siglo de Oro. Es conocido por sus naturalezas muertas y bodegones, y es considerado uno de los precursores del bodegón barroco en España.

Sus bodegones se destacan por la simplicidad y la precisión en la representación de los elementos. Una de sus obras más conocidas es "Bodegón con cardos, nabos y cuchillo", donde utiliza una iluminación natural y un fondo oscuro para resaltar los objetos. Su enfoque en la espiritualidad y la simplicidad en la representación de la naturaleza muerta ha dejado una marca duradera en la historia del arte español.

 

"Bodegón con cardos, nabos y cuchillo" de Juan Sánchez Cotán (1600)

Obra original

En mi caso, el puctum, se centra en la iluminación y la mezcla de la naturaliza que se encuentra tan viva, con esos colores llamativos, pero a la vez transmite un sentimiento tan lúgubre por su oscuridad. Otra vez vemos una clara influencia del claroscuro y en los detalles minuciosos pintados y detallados por el pintor en las texturas. 

 

Remake realizado

En el caso de este remake realizado, me he inspirado en todos los bodegones que ha realizado el autor, pero me he querido centrar en este porque fue el que más me llamó la atención. He querido simular el fondo negro, con textura de pizarra y las flores simulando una simetría confusa que no se encuentra claramente en la imagen pero si hay un equilibrio entre las flores. He querido resaltar el morado de las flores frente al negro de la pizarra mientras desaturaba el verde de los tallos, representando esa naturaleza muerta inspiración del artista. 

En esta obra, podemos ver cómo se inscribe en el género de la naturaleza muerta, mostrando una disposición meticulosa y detallada de objetos. Cotán tenía una habilidad excepcional para representar objetos de manera realista, capturando la esencia de cada elemento. También, el pintor era conocido por su habilidad para organizar sus composiciones de manera geométrica y simétrica. En esta pintura, los elementos se disponen en un patrón ordenado, creando una sensación de equilibrio y armonía visual.

Cotán emplea un juego magistral de luces y sombras para destacar ciertos elementos y crear profundidad en la pintura. La iluminación proviene desde arriba, arrojando sombras notables que añaden realismo y tridimensionalidad.

 Y aunque la pintura presenta una rica variedad de elementos, la disposición simple y el fondo oscuro contribuyen a una atmósfera de sencillez y recogimiento. Este enfoque se alinea con la espiritualidad que caracterizó la vida de Sánchez Cotán después de retirarse al monasterio. Aunque no se trata de una pintura religiosa en el sentido convencional, la influencia de la vida monástica de Sánchez Cotán se refleja en la simplicidad y la serenidad de sus obras. Su retiro al monasterio influyó en la espiritualidad que impregnaba su arte.

Finalmente, la atención al detalle en la representación de las flores, las hortalizas y las cerezas destaca la habilidad del artista para capturar la diversidad y la textura de la naturaleza. La precisión en la representación botánica es una de las marcas distintivas de su obra.

Por ello, “Bodegón de flores, hortalizas, cesto y cerezas” encapsula las habilidades técnicas y la estética distintiva de Juan Sánchez Cotán en el ámbito de la naturaleza muerta.

 

Presentación: https://www.canva.com/design/DAF6FiHm4To/5LPcPLmb63OITvurAfsU-w/edit?utm_content=DAF6FiHm4To&utm_campaign=designshare&utm_medium=link2&utm_source=sharebutton